STING & GIL EVANS
(1992) - Last Session
U.K.
Género: Jazz Rock



01.: Exp
02.: Strange Fruit
03.: Shadows In The Rain
04.: Little Wing
05.: Comes A Time
06.: Introduction Of The Band
07.: Consider Me Gone
08.: Murder By Numbers
09.: Roxanne
10.: Tea In The Sahara

Sting: guitarras, voces
Gil Evans: teclados
Delmar Brown: syntetizador
Gil Goldstein: syntetizador dx7
John Surman: syntetizador, saxo barítono
George Adams: saxo tenor, voces
Branford Marsalis: saxo tenor
Chris Hunter: saxo alto
John Clark: trompeta
David Bourgeron: tuba, trombón
Elew Soloff: trompeta líder
Shunzo Ono: trumpeta, flugelhorn
Marc Egan: bajo
Danny Gottlieb: batería
Urszula Dudziak: coros
Emeily Mitchell: arpa
Anita E: percusión
Tom Malone: trombón tenor
George Lewis: trombón tenor
Emiles Evans: trompeta

Durante los '80 Gil Evans solía actuar regularmente en el famoso Club Sweet Basil de Nueva York con su "Monday Night Orchestra". Una noche, un aficionado de jazz llamado Sting, que en su 1º etapa solista acababa de sumar a su grupo a jovenes estrellas de la escena de jazz como Brandford Marsalis y Kenny Kirkland, visitó el club y se unió al grupo para una jam session espontánea.

La raíz en comun era la música de Jimi Hendrix que Evans había arreglado para su orquesta a mediados de los '70 y siempre incluía canciones de Jimi Hendrix en su repertorio. "Little Wings" por ejemplo, la grabó varias veces en distintas etapas de su carrera, y Sting la incluyó en "Nothing like the sun" (1987), producto de la colaboración con Gil Evans.

Se necesitaron algunas circunstancias extremadamente favorables y coincidentes para que un concierto se incluyera en un albúm que llegó a ser tan "grande" como el presente. Las condiciones fueron perfectas en una calurosa noche del día 11 de julio de 1987 en Perugia, una pequeña ciudad medieval italiana que tiene por marco el maravilloso escenario del festival anual de Jazz en Umbria.

En el estadio R. Curi, una audiencia entusiasmada pudo experimentar lo que resulto la última sesion de Sting con la orquesta de Gil Evans. Estas grabaciones en directo de Perugia muestran lo que Sting y la orquesta de Gil Evans eran capaces de sonar.

La orquesta, como siempre, consistió en grandes solistas e individuos como George Adams, Branford Marsalis y John Surman, y el trompetista Lew Soloff. El brillo particular por la participación y el aporte de cada uno de ellos, marcó excepcionalmente también a este grupo. Y Sting, dandose cuenta del inmenso potencial que el grupo tenía, estuvo en plena forma.

Versionaron "EXP", "Little Wing" de Jimi Hendrix, "Shadows In The Rain", "Tea in the sahara" de The Police o "Consider me gone" de Sting ya solista.

El programa fue redondeado por algunos clasicos como el imortal "Strange Fruit" y "There comes a time" de Tony Williams.

Fuente: http://www.galileo-mc.com/

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RUBEN RADA
(2004) - Candombe Jazz Tour
Uruguay
Género: Candombe, Jazz



01.: Flecha verde
02.: Ayer te vi
03.: Adiós a la rama
04.: Ni un día más
05.: Martuan
06.: Loco de amor
07.: Terapia de murga
08.: Cuesta abajo
09.: Anclao en Paris
10.: Candombe para Gardel
11.: Cuerda de tambores
12.: Malísimo
13.: Cha, cha muchacha
14.: Georgia on my mind
15.: Yo te vo'a comer igual
16.: Blumana

Bonus track:
17.: El arrorró

Rubén Rada: voz y percusión
Andrés Arnicho: Dirección Musical, teclados y voz
Nelson Cedrez: batería
Federico Righi: bajo
Federico Navarro: guitarras y voz
Fernando Núnez: percusión
Foqué Gomez: percusión
Noé Núñez: percusión
Sara Sabah: flauta traversa y coros
Lea Bensasson: coros

Músicos Invitados
Nicolas Ibarburu: guitarras, tres y voz
Horacio Di Yorio: piano

Concierto del Negro Rada en el Teatro ND Ateneo, donde reparasa gran parte de su trayectoria de más de 40 años...

Buen punto de partida, para disfrutar de este gran músico y carismático showman, dueño de una voz tan particular...

El Negro Rada, ha sabido fusionar el pop con sonidos típicamente uruguayos como los tambores del candombe o los coros de la murga del carnaval uruguayo...

La perla del disco: la versión de Cuesta abajo...

Altamente recomendado

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ARCO IRIS
(1974) - Agitor Lucens V
Argentina
Género: Rock Progresivo



Disco 1
01.: Intro - La Nave Madre
02.: Lucero Andino
03.: Vientos Celestiales
04.: Bas Bus - Si El Señor Me Dio Estas Manos
05.: Bas Bus
06.: Principe del Alba
07.: Las Luces Eternas

Disco 2
01.: El Regreso Del Pajaro Dorado
02.: La Nave Madre
03.: El Arcangel Miguel
04.: Agitor
05.: Sendero De Marcahuasi
06.: Paraiso Sideral
07.: Un Tiempo y Tiempos y La Mitad De Un tiempo
08.: Lucens V
09.: Tema I
10.: Tema II

Gustavo Santaolalla: voz, guitarra, charango
Ara Tokatlian:, organos, flauta, saxo tenor alto y soprano, armonica
Guillermo Bordarampe: bajo, contrabajo y voz
Horacio Gianello: bateria y percusiones
Danais Wynnycka: guia espiritual y coros

Una de mis discos favoritos de los '70... es una obra conceptual en relación a la vida más allá de la tierra...

Para muchos especialistas es un disco medio inclasificable, dado que si bién hay matices de música andina y folklórica tanto en lo instrumental (vientos) como en lo compositivo (zambas, Huainos y malambos), hay muchas más secciones de vientos con saxo a cargo de Ara Tokatlian, lo que le dá a la obra muchos elementos de Jazz fusión...

Para mi, no deja de ser una obra fundamental para descubrir la riqueza del rock progresivo cosecha argentina....

Es el último disco con la participación de Gustavo Santaolalla... y vaya despedida!

Les encargo los solos Crimsonianos de Santaolalla en el regreso del pájaro dorado...

Auque parezca mentira semejante disco nuca fué editado en CD...(FUCKING DISCOGRÁFICAS)...

Para la presentación del disco en el teatro Gran Rex la banda se presenta junto al ballet de Oscar Araiz, montando un espectáculo que ha sido presentado inclusive en Paris...

A disfrutarlo...

altamente recomendado

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RAIMUNDO AMADOR
(1997) - En la Esquina de Las Vegas
España
Género: Blues, Flamenco



01.: Pa Mojar
02.: Hoy no estoy pa nadie
03.: Candela
04.: Mi novia no tiene miedo
05.: Con la punta del pie
06.: En la esquina de las Vegas
07.: Tu te lo pierdes
08.: Yo seria pirata
09.: Solo Solito
10.: Take five

Raimundo Amador: guitarra eléctrica, gerundina y voz
Fernando Illán: guitarra eléctrica, bajo y coros
Alberto Moraga: guitarra y coros
Juan Maya: guitarra española
Javier Fuertes: guitarra eléctrica
José A. Romero: guitarra acústica, slide, banjo y mandolina
Diego Amador: teclados, órgano y coros
Tato Icasto: teclados, piano Rhodes
Arturo Soriano: saxo tenor, saxo barítono y coros
José Ramirez: flauta
Pepe Bao: bajo
Carlos Benavent: bajo
Angie Boo: batería
Tino Di Geraldo: batería
Chabali: percusión
Luis Dulzaides: timbaletas, percusión
Ramoncito Porrina: cajón
P.C.: coros
Pulgar: coros

Artistas Invitados

El Gran Wiyoming: presetación
Rosario: coros
Kiko Veneno: voz

Raimundo Amador es uno de los músicos españoles más importantes, exquisitos y carismáticos. Hace que su guitarra hable y cautive. Es un hombre sencillo, gitano, honesto, con cara de pillo sin maldad y del que la música nace de forma natural, debido a ese genio que algunos tienen la suerte de tener y que los hace inolvidables.

Fiel a una cultura (el flamenco), más enraizado en una tradición y, al mismo tiempo, abierto a otras músicas que tienen un corazón común como el blues o el reggae.

Raimundo aprendió flamenco con su padre, que trabajaba como guitarrista en la base norteamericana de Rota. A los 12 años, ya en Sevilla, Raimundo recorría las calles tocando por monedas, unos bocadillos o el dinero del taxi para regresar a casa. En Los Gitanillos conoció a Camarón y a Paco de Lucía y un poco más tarde, a mediados de los 70’, a Kiko Veneno. Formo junto a su hermano Rafael la legendaria banda Pata Negra.

A colaborado con un sinfín de artistas como B.B.King, Björk, Los Rodríguez,Kiko Veneno, Andrés Calamaro, Ñaco Goñi, Tomatito, Camarón... sólo por mencionar algunos

En la Esquina de Las Vegas, 2º disco de su carrera solista, profundiza su camino de fusión con otros géneros.

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RAIMUNDO AMADOR & B.B. KING
Bolleré (está hablando del fasssssssoo!)

Que reunión! Raimundo Amador + B. B. King en uno de sus conciertos del año 1995 en Las Ventas de Madrid

..."bolleré te quita las penas,
bolleré pa' toda la vida,
bolleré nos vuelve locos;
bolleré que papel!"...

“Bolleré”, es quizás una de las canciones más emblemáticas del repertorio de Raimundo Amador.

Una canción que tiene su historia: resulta que hace unos años, cuando Pata Negra giraba por el mundo, conocieron a Cathy Claret, una artista mitad francesa, mitad gitana y mitad española.

En uno de sus tantos viajes a Sevilla para visitar a sus amigos, llevaba papelillos franceses marca OCB. A Raimundo le gustaban tanto que llegó a asegurar que era el papel de fumar más fino del mundo.

Tanta era la obsesión de los Pata Negra por esa marca que llegaron a viajar a Francia en varias ocasiones solo a comprar cajas y cajas de papel OCB.

Lo de Bolleré viene porque si miras a través del papel se puede leer esa misma palabra escrita "Bollore", pero Raimundo la pronunciaba mal, decía bolleré. Y aunque la mayoría de la gente lo ignora, fué Cathy Claret, la que la escribió “Bolloré”, trabajo que incluyó en su segundo trabajo “Soleil y locura”.

Ah!, y los muchachos de OCB, hasta hicieron una edición limitada de los papelillos en custión, a partir de la difusión que tuvo...

ANA POPOVIC
(2005) - Ana! - Live in Amsterdam
Bosnia
Género: Blues



01.: Intro
02.: Don't Bear Down on Me (I'm Here to Steal the Show)
03.: Sittin' on Top of the World
04.: Love Me Again
05.: Comfort to the Soul
06.: Navajo Moon
07.: Night by Night
08.: Bigtown Playboy
09.: Won't Let You Down
10.: Jaco
11.: Long Way Home
12.:My Man/Long Lost Love

Ana Popovic: guitarra y voz
Dominique Vantomme: piano y voz
Fabrice Ach: bajo y voz
Denis Palatin: batería

Francamente, nunca había oído su nombre, ignoraba su música, y su cara de Pop Star me desanimaba a escucharla (al fin y al cabo todos somos prejuiciosos!)

Pero al escuchar Navajo Moon supe que Stevie Ray Vughan había reencarnado en un ángel...

Nacida en 1976 en la ciudad de Belgrado, creció en un ambiente familiar propicio al desarrollo de su talento, ya que su padre es un aficionado al blues y organizaba sesiones caseras con asiduidad con otros músicos aficionados. Además de ser una guitarrista de la hostia, Ana posee una voz encantadora.

Ha desarrollado gran parte de su carrera en los países bajos y Alemania, grabando en 1998 su primer disco "Hometown". Un año más tarde se trasladó a Memphis para grabar su segundo disco "Hush", con el cual alcanzó gran notoriedad en la escena musical, y en el 2003 con "Comfort to The Soul " se consagró definitivamente.

En el ambiente blues la mayoría de los músicos de blues trabajan en una relativa oscuridad, y sufren un desgaste aunque sus esfuerzos son como una medalla de honor. Sin embargo la subida de Ana Popovic ha sido meteórica.

A solo cinco años de haber dejado su Yugoslavia natal, Ana participó en los mayores festivales de música europeos como Peer, Bishopstock y Nottoden; y ha compartido escenarios con Bernard Allison, Kenny Neal y Michael Hill.

Quizás lo más impresionante de todo es la nominación al premio W.C. Handy Blues como nueva mejor artista del 2003, un honor poco frecuente para una artista de blues europeo.

Live in Amsterdam fue grabado el 30 de enero de 2005, en el Melkweg de Amsterdam, Holanda donde Ana vive desde hace algunos años y juega de local.

Los invito a descubrir una excelente guitarrista, una voz expresiva y poderosa, mucho groove...

En fin, a la nueva reina del blues moderno...

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PETER TOSH
(2000) - Live at the One Love Peace Concert 1978
Jamaica
Género: Reggae



1. Igziabeher
2. 400 Years
4. Intro Rap
5. Burial/Speech
6. Equal Rights
7. Speech
8. Legalize It/Get Up Stand Up

Peter Tosh: voz
Robbie Shakespeare: Bajo
Keith Sterling: teclados
Robby Lynn: teclados
Mikey Chung: guitarra
Sly Dunbar: guitarra

Uno de los conciertos más memorables de la carrera de Tosh, quien no coincidió mucho con el lema del concierto, celebrado en Kingston, Jamaica, el 22 de abril de 1978.

Había poca paz en Jamaica en ese momento, a lo que Peter afirmó: "no quiero ninguna paz, quiero justicia".

Esa línea, por supuesto, viene de una de sus canciones más fuertes, "Equal Rights", uno de los temas que toco esa noche. El resto de los temas? tanto o más militante, con la apertura de la atronadora introducción "Igziabeher, " 400 Years ", "Stepping Razor", y cerrando con una versión larga e increíble de "Legalize It " y " Get Up Stand Up".

Entre canción y canción, el cantante habló de manera elocuente a la multitud, condenando firmemente tanto al gobierno como a la oposición, pidiendo que se pusiera fin a la brutalidad de la policía y de la opresión, y un comienzo en la construcción del país asolado por la pobreza, también insistió en que se permitiera a los agricultores cultivar marihuana y el pueblo pueda fumar en paz.

En un momento de la noche Tosh proclamo: "La paz es solo propia de los cementerios"... sus palabras causaron un incendio, por lo menos en la prensa y la multitud se reunió con gritos de aprobación.

Este álbum es la edición absoluta, tanto de la performance del artista, como de todos sus discursos.

Cinco meses después del concierto , Tosh fue detenido por posesión de drogas y golpeado con tal violencia que requeririó 30 puntos de sutura para cerrar las heridas en la cabeza.

A esa altura, nada pudo sofocar el fuego en su mensaje incendiario.

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PAUL BUTTERFIELD BLUES BAND
(1966) - East West
U.S.A.
Género: Blues

01.: Walkin' Blues
02.: Get Out of My Life, Woman
03.: I Got a Mind to Give up Living
04.: All These Blues
05.: Work Song
06.: Mary, Mary
07.: Two Trains Running
08.: Never Say No
09.: East-West

Paul Butterfield: harmonica y voz
Mike Bloomfield: guitarra
Elvin Bishop: guitarra
Mark Naftalin: piano y órgano
Jerome Arnold: bajo
Billy Davenport: batería

The Paul Butterfield Blues Band fue uno de los primeros exponentes del llamado blues blanco de Chicago y que originó el blues eléctrico.

Ellos, junto con The Rolling Stones, The Animals, Los Yardbirds, y The Bluesbreakers de John Mayall influyeron en bandas emblemáticas como The Grateful Dead y The Allman Brothers, y pusieron en marcha el breve reinado de Michael Bloomfield como uno de los guitarristas de rock más influyentes de U.S.A.

Tal vez el mayor mérito de The Paul Butterfield Blues Band fue el haber acercado a las audiencias blancas a éste nuevo sonido (el blues eléctrico) junto a bandas como Cream.

East West fué su segundo álbum, lanzado en 1966, y si bien no tuvo un gran éxito comercial, recibió toda clase de halagos por parte de la crítica, lo que resulta interesante, ya que la banda (sin Paul), fue la que acompañó a Bob Dylan en el controversial Festival Folk de Newport, donde fue duramente criticado por utilizar guitarras eléctricas.

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CELTIC TRIBUTE TO LED ZEPPELIN
(2007) - Long Ago and Far Away
Irlanda
Género: Música Celta

01.: Black Mountain Side
02.: The Battle of Evermore
03.: Over the Hills and Far Away
04.: Thank You
05.: Black Dog
06.: The Rain Song
07.: Dazed and Confused
08.: Rock and Roll
09.: That's the Way
10.: What is and What Should Never
11.: Bron-Y-Aur Stomp
12.: Going to California
13.: Stairway to Heaven

James Prendergast: banjo
Bill Verdier: violín
Jeff Taylor: acordeón
Pat McInery: percusión

Led Zeppelin no necesita presentación. A pesar de que son reconocidos como los referentes del hard rock por exelencia, la banda tiene muchas melodías bellísimas con una clara influencia de la música celta y de la música folk Inglesa.

Celtic Tribute to Led Zeppelin ofrece una nueva y genial forma de abordar la obra de la banda inglesa. El uso de instrumentos tradicionales como el violín, el banjo y el acordeón, al servicio de todas esas atmósferas instrumentales, muestran el verdadero genio y la dinámica de uno de los más influyentes grupos de la historia del rock.

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MYSTÈRE TRIO
(2006) - Sérieusement Live
Francia
Género: Jazz



01.: Scarabée
02.: Villelongue
03.: Spanouch
04.: Casamance
05.: Marguerite
06.: Tarazoun
07.: Vent d'Est
08.: Cosby Swing
09.: Benny Bop
10.: Samba-C
11.: Carina
12.: Splendide
13.: Nazdrovié
14.: Sacrée Crevette

Cyril Salvagnac: guitarra
Christophe Gruel: guitarra
Laurent Meyer: batería y percusión

Conocí no hace mucho al Mystère Trio al igual que al grupo Indialucía posteado hace unos días, a través del aporte de Laura (sorprendiéndome siempre), en uno de nuestros frecuentes intercambios culturales y debo confesar que me encantó y cuando digo me encantó, no me refiero a que me haya gustado mucho, sino a la otra acepción del término: cautivó mi atención como la flauta a la serpiente.

Les cuento, Mystère Trio es un grupo de Jazz Francés originario de la ciudad de Toulouse, que ha tenido acercamiento original al jazz y al swing que patentó Django Reinhardt en París.

La fórmula es bastante original, con dos guitarras electroacústicas y una percusión sostenida, el trío ofrece un toque de equilibrio, donde cada uno halla su sitio entre el acompañamiento y la improvisación.

Suenan genial, y merecen atención...

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RICHARD BONA
(1998) - Scenes From My Life
Camerún
Género: Jazz, World Music



01.: Dipita
02.: New Bell
03.: Souwedi Na Wengue
04.: Eyala
05.: Djombwe
06.: Te Dikalo
07.: One Minute
08.: Muna Nyuwe
09.: Na Mala Nde
10.: Konda Djanea
11.: Eyando
12.: Messanga

Richard Bona: órgano, guitarra acústica, bajo, percusión, teclados, kalimba, maracas mbira, vocoder y voz
Virginia Burward: violonchelo
Jeffery Levine: contrabajo
Jeremy Gaddie: batería
Omar Hakim: batería
Ari Hoenig: batería
Makthar Samba: batería
Stephan Vera: batería
Colette Michaan: flauta
Frédéric Favarel: guitarra (acústica, eléctrica)
Etienne Stadwijk: teclados
Alune Faye: percusión
Sabar Luisito Quintero: percusión
Edsel Gomez: piano
Jean-Michel Pilc: piano
Aaron Heick: saxo, saxo alto
Michael Brecker: saxo, saxo tenor
Kenneth Burward: violín y viola
Mara Milkis: violín
Belinda Whitney-Barratt: violín.

Bona es un cantante increíble y un multinstrumentista con una asombrosa capacidad natural de de aprender a tocar cualquier instrumento nuevo tan sólo mirando como es ejecutado.

Nacido en Minta, una pequeña localidad del Camerún oriental en el año 1967, comenzó tocando el balafón con tan solo cuatro años, estimulado por su madre y su abuelo, quien le había construido el instrumento que el niño tocaba más de doce horas diarias.

Con cinco años el pequeño Bona ya actuaba en la iglesia local, donde rápidamente se convirtió en una pequeña leyenda local, un niño prodigio cuyos espectáculos en bodas, bautizos y pequeñas fiestas todos querían contemplar. Con 11 años se trasladó con su padre a la localidad portuaria de Douala y allí se dio cuenta de que para atraer más público necesitaría aprender un nuevo instrumento, más moderno.

Usando flautas y guitarras que él mismo se había fabricado con latas de aceite y alambres de bicileta y finalmente encontró trabajo como guitarrista en una banda de Douala.

Tras la muerte de su padre en 1985, Bona decidió abandonar Camerún para instalarse en París en 1989 con tan sólo 22 años. Allí su fama como virtuoso no hacía más que crecer en cada una de sus apariciones en los clubs de jazz locales, junto a músicos como Didier Lockwood, Marc Ducret, Manu Dibango o Salif Keita. Richard continuó profundizando su estudio de la obra de grandes músicos de jazz como Miles Davis, Chet Backer o Ben Webster.

Se inscribió en una escuela de música para perfeccionar sus habilidades como compositor y creó una banda propia llamada Point Cardinale.

Finalmente, el teclista Joe Zawinul, en su constante búsqueda de nuevos talentos, advirtió la presencia del joven bajista en los clubes parisinos y lo fichó para su álbum de 1992 We the people, lo que supuso el estreno discográfico del bajista como acompañante de un nombre de relevancia internacional. En 1995, animado por el guitarrista Mike Stern, Bona abandonó Paris para establecerse en Nueva York, en cuya jam scene causaría un inmediato y notable impacto; de repente, Richard se encontró trabajando con los mayores nombres de la escena de jazz mundial, como Mike Stern, Randy Brecker, Michael Brecker, Bob James, Chick Corea, Bobby McFerrin o Branford Marsalis entre otros muchos.

Este es el primero de sus cuatro álbumes en solitario, hasta el momento. y en lo que respecta a sus aportaciones en el bajo eléctrico, Bona es uno de los mayores virtuosos de la actualidad y una de las figuras que más atención atrae de parte de las revistas especializadas y de los aficionados al instrumento.

El lenguaje de Bona en su doble vertiente de compositor y músico, refleja sus múltiples y variadas influencias (desde las complejas armonías características del jazz hasta los intrincados poliritmos característicos de las músicas tradicionales africanas, pasando por la importancia de la melodía que se deriva del interés del músico en el pop y el soul).

Un groso de verdad el hombre... disfrútenlo

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INDIALUCIA
(2005) - Indialucia
España
Género: Flamenco, Word Music

01.: Raag 'n' Olé
02.: Nagpur
03.: Herencia Hindú
04.: Taliquete
05.: Mohabbat Ka Khazana
06.: Gujari Todi
07.: Kyabathe
08.: Indialucía (intro)
09.: Indialucía (zambra)
10.: Amanecer

Miguel Czachowski: guitarras flamencas, percusión, palmas y arreglos
Avaneendra Sheolikar: sitar
Sandesh Popatkar: tabla
Pierluca Pineroli: percusión, konnakol, coros
Prasad Khaparde: voz
Domingo Patricio: flauta
Giridhar Udupa: ghatam, morsing, konnakol
Carlos Troya: zapateado, jaleo
Yrvis Méndez: bajo sin trastes
Sagar Jarel: dholak
Maria Pomianowska: sarangi
Tomasz Pala: piano
Adam Głośnicki: bajo
Ireneusz Wyrobek: palmas
Barbara Czachowska: coros

Miembros de "Aukso" Orchestra de Cámara:
Marta Huget-Skiba: violín
Natalia Walawska: violín
Anna Grzybała: viola
Aleksandra Steczek: cello

Indialucía es un proyecto musical, que funde dos estilos musicales fascinantes: la música india y el flamenco.

El álbum expresa la fusión humana y musical de estas culturas, que parecen haber tenido un antepasado común. La improvisación y el ritmo son los elementos comunes en ambos estilos, y son esenciales para la existencia continuada de esta música.

Las grabaciones se realizaron entre 1999 y 2004, principalmente en India y Espana. Muchos grandes artistas de los dos continentes participaron en la grabación.

Este álbum es el resultado de años de trabajo, que por vez primera demuestra los elementos comunes del flamenco y de sus raíces indias fundidos en una única forma de arte.

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BOOKER T AND THE MG's
(1970) - McLemore Avenue
U.S.A.
Género: Soul

01.: Medley: Golden Slumbers/Carry That Weight/The End/Here Comes The Sun/Come Together
02.: Something
03.: Medley: Because/You Never Give Me Your Money
04.: Medley: Sun King/Mean Mr. Mustard/Polythene Pam/She Came In Through The Bathroom Window/I Want You (She's So Heavy)

Booker T. Jones: órgano hammond
Steve Cropper: guitarra
Donald "Duck" Dunn: bajo
Al Jackson, Jr.: batería

Ya hemos posteado material de Booker T. & MG's. No necesitan presentación.

En este trabajo, le rinden tributo al cuarteto de Liverpool, jugando con el tributo que los fabulosos 4 le rindieron a los míticos estudios de Abbey Road.

Sobre la McLemore Avenue se encuentran los estudios Stax, usina del funky & Soul de Memphis no menos legendaria.

Si bien los tributos a Los Beatles se cuentan de a cientos a lo largo de estas cuatro décadas, este merece atención. Por la estructura de los temas versionados, por el siempre onmipresente Organo Hammond de Mr. Booker T. y por el enfoque soul.

Disfrútenlo, para regocijo de los cazadores de curiosidades y los fanáticos de Lennon, Mc Cartney & compañía.

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FOCUS
(2003) - Live in America
Holanda
Género: Rock Progresivo

01.: Focus I
02.: House Of The King
03.: Focus II
04.: Eruption
05.: Sylvia
06.: Focus V
07.: Cathedral De Stasbourg
08.: Focus VII
09.: Hocus Pocus
10.: Focus III

Thijs van Leer: Organo Hammond, flauta traversa y voz
Jan Dumee: Guitarra y voz
Bobby Jacobs: Bajo
Bert Smaak: batería

Ufff!... qué disco...

Este concierto se basa en lo mejor del repertorio de la banda, además de un par de nuevas piezas, y fué registrado en el Patriot's Theater de Trenton, Nueva Jersey en el marco del Nearfest 2002, un prestigioso festival de rock Progresivo.

Focus es por lejos mi banda favorita no- británica de Rock Progresivo, y la verdad es que viendo tantos retornos de otros grupos en estos últimos años, debo confiar que lo escuché con cierto recelo, sin apostar de antemano, considerando que Jan Akkerman no es de la partida y que todos los músicos que Thijs Van Leer convocó para conformar esta nueva versión de Focus son nuevos y tán jóvenes que ni siquiera habían nacido cuando la banda se formó allá por el ' 73...

Pero este retorno fué tremendo!...

Jan Dumee, es tan pero tan bueno, que los dejará con la boca abierta al primer solo, de hecho con algunos amigos debatimos y sostienen que quizás es mejor que Akkerman. Todos los solos son inmejorables, en el ardiente estilo de fusión. El chico es un monstruo, realmente.

La flauta y el órgano de Thijs son también de primer nivel. Su performance en "House Of The King" y "Eruption" son increíbles al igual que su voz.

La versión de "Hocus Pocus" es un placer.

El sonido excelente!

Altamente recomendado!

Con esta misma formación la banda registró Focus 8 en año 2002 (también recomendadísimo)

ver también: Jan Akkerman

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Alambre y la Doble Nelson
(1995) - Alambre y la Doble Nelson
Argentina
Género: Blues



01.: El Más Rápido Del Barrio
02.: Taxi Al Infierno
03.: Pool, Billar Y Copetin
04.: Whisky Doble
05.: Dejala Que Se Vaya
06.: Gatillo
07.: Un Poco Más
08.: Hey Jiimmi
09.: Para Siempre
10.: Hasta Nunca
11.: Soñando Despierto
12.: Alamblues
13.: No Llores

Daniel Alambre González: voz y guitarra
Gustavo Bolsa González: batería
Patán Vidal: teclados
Pipo Vega: guitarra
Sirso" Iseas: bajo
Claudia Puyó: coros

Daniel "Alambre" González es uno de los más prestigiosos guitarristas del rock nacional. Formó parte de la legendaria banda MAM junto a Diego Arnedo, Ricardo y Omar Mollo. Grabó y tocó con tantos músicos grosos, como Pappo, Luis Salinas, Botafogo... solo por dar algunos ejemplos.

Este es el primer trabajo de este excelente bluesman argentino, que junto a otros artistas fueron haciendo un camino y dejando su huella en el blues local.

Alambre es dueño de un estilo personal, de mucha inspiración y de una sensibilidad extraordinaria.

Altamente recomendado

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